時尚變革：藝術展或許是你最能消受得起的奢侈品

　　隸屬 LVMH 旗下，Fondation Louis Vuitton(路易·威登基金會)建筑自落成巴黎以來，直至 2014 年方才正式對公眾開放。短短數年，它已變身為這座城市的文化地標，鼓勵著當代藝術家們的創作，將目光聚焦拓展潛在客戶的多元化與傳播性。

　　過去將 Olafur Eliasson 這樣的藝術家帶入大眾視野，前段時間促成轟動法國乃至國際的《Jean-Michel Basquiat – Egon Schiele》聯展，最近還邀倫敦考陶爾德畫廊，共同策劃了囊括百余幅印象派巔峰畫作的《A Vision for Impressionism》展覽…… 這家世界最龐大的奢侈品集團，正一步步遞增他們跨領域的參與度，改變整個時尚產業的勢態，提升涉獵藝術圈的影響力。而這一現象，似乎同樣能從其他行業巨頭的身上探究到，藝術領域，是否是奢侈品牌著重發展的新方向呢?

　　LVMH：奢侈品集團構建的藝術藍圖

　　雖未有悠久的歷史沉淀，Fondation Louis Vuitton 藝術項目的受歡迎程度，卻時常遠超當地其他始祖級博物館的客流量。也難怪，巴黎市長毫不吝惜 “a gift for Paris” 的贊譽，來表達當地政府對它天降的喜悅和支持。

　　由先鋒建筑大師 Frank Gehry 操刀設計的基金會建筑，藏身城西布洛涅(Bois de Boulogne)中，像帆似云地 “懸浮” 綠茂青樹上，自身的奇異性就讓它堪比藝術品般的存在，伴隨光影的變幻流轉，與環境交織出轉瞬即逝的景象。在任命 Suzanne Pagé 擔任基金會總監后，他們多次聯手世界頂尖博物館，策劃過往你在巴黎絕少能一睹真容的展覽，向公眾引薦他們看重欣賞的當代藝術家們。《Jean-Michel Basquiat – Egon Schiele》的世紀聯展，便是近期最受藝術圈矚目的大事紀。

　　那么，為何要把兩位相隔 70 余載的非同代藝術家放在一起相提并論呢?某種角度上，Schiele 和 Basquiat 就像從未謀面、卻因藝術遺產的份量而緊密相連的朋友：他們同樣深受弗洛伊德哲學的影響，同樣桀驁不馴地抗爭世事，同樣被推舉為表現主義的核心人物，并且同樣地，他們生命協奏曲的終止符，停留在了 28 歲那個節點上…… 創作的樂章潦草短暫，卻反襯出兩位天縱之才的作品多么強而有力。

　　在巴黎這樣孕育著文化、藝術、時裝的都市里，無論你是出于對 80 年代美國波普的喜愛，還是對涂鴉文化的好奇，Jean-Michel Basquiat 這樣通吃 fine art 和 street art 的人物，都是你非看不可的，更何況外加上過去 25 年里未曾在巴黎舉辦過專展的畫壇巨匠 Egon Schiele 。此番恰逢藝術家離世百年的紀念，才在 Suzanne Pagé 的力薦下，誕生了這場驗證天賦差異與相似共存的比對。與此同時，媒體狂轟濫炸的贊譽和報道，為基金會引來絡繹不絕的客流量，這場盛大的聯展顯然不會給 LVMH 留有遺憾。

　　對應基金會的四大主題之一，即呈現藝術家的主觀愿景，及表現主義的審視角度，《Jean-Michel Basquiat – Egon Schiele》就兩位大師的背景、選題、風格、影響，做了有趣的配對，建立起敘事的假設。游客被引導由 Egon Schiele 的鉛筆、水彩作品開始，從一幅幅繪有單一人物的中小型作品循序漸進，有時候，色彩在它們身上仿佛喪失了 “效果” ，微不足道但說服力十足。藝術家標志性白色，像縈繞在畫里面的回憶，經過深思熟慮的構圖，牽動角色扭曲的體態和深陷苦楚的面容。這種夸張的表現手法，被他視為承載藝術的合理延續。

　　當轉至 Jean-Michel Basquiat 的展區，你能強烈地感受到他想要呈現的，是一個完全不同的風格、現象，還有自我。看似混亂、毫無頭緒的繪畫，融入了涂鴉、文字、符號、象形圖的元素，在他激進的藝術實踐中，繼承了 Schiele 的藝術形態，延續了歷史的血脈，借用新表現主義呼吁社會問題，正如那些爆炸性視覺畫作里咆哮、悸動的形象。當被問及如何描述自己的作品時，紀錄片里的 Basquiat 駁斥說，“就像問 Miles Davis 是怎么吹奏小號一樣，我不覺得他能告訴你在那個點上為何該這樣處理，大部分時間是自然而然的。” 創作的隨機性使得他的作品更加彌足珍貴，無法復制。

　　此次展覽，Fondation Louis Vuitton 邀來專研 Basquiat、Shiele 的藝術史學家 Dieter Buchhart 擔任撰文編輯，出版了展覽相關的畫冊，成了大家觀展后爭相購買的周邊。兩本書囊括了許多此前從未在歐洲展出過、鮮有公之于世的畫作，較之同類書籍，在內容質量的把控與可探究性上明顯有了提升。更具價值的，還有以博物館藏品級標準轉印的藝術家簽名影像，僅可于展覽期間限量購買。但這些印有 Fondation Louis Vuitton 字樣的物件，在標明其 “出身” 的同時，也有意無意地為品牌起到了流通宣傳的作用，即使你不是個熱衷搜羅時尚單品的戀物者，但你不也同樣擁有了一件 LV 嗎?

　　Prada：藝術是品牌形象“影印”

　　即便 Fondation Louis Vuitton 的大樓將在 2062 年后歸屬巴黎市政府，但這樣的合作協議并沒有動搖他們投身藝術的決心，可見涉及該產業之于他們的重要性。相同地，越來越多的奢侈品集團愿意同藝術結合到一塊兒，附庸風雅地扮演起藝術愛好者的角色，這些品牌的藝術項目相較傳統博物館，對大眾來說，甚至更具吸引力。

　　在歐洲的另一座文化名城米蘭，Miuccia Prada 與丈夫 Patrizio Bertuelli 對藝術和文化領域的好奇心發酵，最終促成了與荷蘭建筑大師 Rem Koolhaas 合作打造基金會總部的想法，并于 2015 年正式對外開放。這個早在 20 世紀 90 年代初就萌生出的念頭，難道是權用來孵養他們個人的興趣愛好嗎?“那時候根本沒有像現在這么多的藝術基金會，Fondazione Prada 是歐洲范圍的先鋒，是個脫離時尚品牌業務的文化機構，旨在完成自己的傳播使命。” 根據基金會負責人 Astrid Welter 接受采訪時的宣稱，不難看出，他們想要與其他奢侈品牌劃分本質的界限，“純粹” 為藝術而藝術，讓它自然而然地突顯出優雅。

　　且不說藏品幾許，單論基金會總部設計師 Rem Koolhaas 的才華與名望，就已讓 Fondazione Prada 成為藝術迷必逛的景觀了。作為遠近聞名的藏家和贊助人，Miuccia Prada 夫婦與世界級博物館還有藝術家們，早就建立起千絲萬縷的關系。這一切為他們設立一個個據點作好了鋪墊，包括他們傾盡心力修繕了整整六年的滬上名門 —— 榮宅。

　　那么接下去的事情，大家多少有所耳聞。榮宅開放之日，Prada 邀來演藝圈、藝術圈、傳媒圈、建筑圈等各界名流齊聚宴會，齊齊盛裝品牌提供的服飾。社交媒體上，幾乎鋪天蓋地著榮宅的訊息和圖片，讓它瞬間攀升為上海最有調性的觀光地。當然，這也與宅內設有不定期的藝術項目有著巨大關系，剛剛結束的劉野《寓言敘事》展，可說是你在傳統博物館內無法體驗的。所有畫作像在整個空間中靜處過百年，色調與宅內深沉復古的家居、燈具、墻壁，乃至泛著年代感的印花地板都相輔相成，為你絮叨屬于它們自己的故事。

　　過去的 20 年間，類似劉野展覽的策辦，在 Fondazione Prada 的項目列表里層出不窮，是他們絕佳藝術策劃力的體現。它們不但與時俱進，且總能引起巨大的市場反響，這是絕大多數私人基金會不具備的。Tom Sachs 的《藍鯨》雕塑，Damien Hirst 的《Lost Love》裝置，Thomas Demand 的《被偷走的圖像》群展，還有《布達佩斯大飯店》導演 Wes Anderson 專門為其設計的 Bar Luce 咖啡廳…… 這群活躍在當代藝術界的紅人，均為 Prada 的座上賓。自然地，相應展覽的書籍不可能被基金會遺忘，它們甚至成了品牌 VIP 們熱衷收集的稀有物，而為滿足粉絲的小確幸，藝術家的作品還會突發性地 “誤入” 一下品牌設計，可謂是幸福來得太突然了吧。

　　Kering：后來的藝術攪局者

　　不管就所持有的品牌競爭力，還是銷售覆蓋面而言，常年與 LVMH 分庭抗禮的 Kering 集團，沒有理由在任何方面落單。這家由 Pinault 家族管理的企業正逐漸調轉自己時尚標簽的身份，在類似項目上頻頻加大資金的投入。早前 Kering 一舉收購頂級藝術拍賣行佳得士，接著宣布將在 2019 年，落成靠近盧浮宮去處的現代藝術博物館，如此舉措也著實讓人看到了他們征戰藝術領域的野心。

　　如果要追溯 Kering 集團與藝術的淵源，那便要提到旗下品牌 Yves Saint Laurent 于上世紀 60 年代時，尚且健在的傳奇設計師就把荷蘭新造型主義畫家 Piet Mondiran(蒙德里安)的作品融入到了那條傳世的半身裙中。或許，它可算是藝術跨界中最為人熟知的時裝設計了。時至今日，Kering 再度迎接來了一位新革命者，為 GUCCI 成功復辟的 Alessandro Michele 。

　　說到這家改造成新模樣的時裝屋，就不得不提當代藝術在它的攀峰道路上起到的作用。近年來的 GUCCI ，在秀場造型、廣告大片、宣傳活動等對外事宜上花盡了心思。品牌 4 年前舉行了一場名為《No Longer / Not Yet》的大展，在那個繁花簇擁、春意似錦的印花空間內，GUCCI 傾情所有地號召來不同領域的當代藝術家們，用形而向上的視覺賦加鮮明的品牌元素，向觀客介紹何為 “當代” 精神。從攝影、繪畫，到雕塑、裝置，各種藝術形態均被涉獵，請來 Jenny Holzer 、Glen Luchford 、Rachel Feinstein 等藝術家的參與，誠邀《LOVE》雜志發行人 Katie Grand 策劃把關，陡增一份前衛與時尚。

　　想必 GUCCI 模特手捧仿真頭顱、雛龍的走秀片段，依然會教人念念不忘吧。創意總監 Alessandro Michele 用非理性且充斥浪漫復古的 Cyborg 元素，策劃了那場拍案叫絕的故事。而他對藝術的解讀和借用，實則早就超出我們的設想。以至于，后來《The Artist is Present》展覽剛剛透出風聲，便成了媒體們搶鮮報道的熱點，大家都好奇他又能玩出什么新把戲。

　　這是一次針對 “復制挪用” 現象的探討。從展覽的命名開始，到作品主題的呈現，如同就當代文化創作的反諷。用展覽入口處那句 “古羅馬人孜孜不倦地復制古希臘雕塑，終令世人得以一覽其精絕壯美” 來描述，是再貼切不過的了。其中，仿照西斯廷教堂制造的小空間布滿了宗教壁畫，包括印著米開朗琪羅《末日審判》的木板墻，帕臺農神廟里的斷頭神像，還有按照《紐約時報》字體翻印的《The New Work Times》，報紙中登印著各類 “藝術” 復制的奇聞妙事，是一份觀眾可以隨身順走的隱藏周邊。

　　尤為值得一提的是，GUCCI 主導的展覽，總會邀請到大量的當紅藝人、KOL 、媒體在特定開放日提前預覽藝術品。他們免不了需要身穿品牌的當季服飾入場，而流量偶像們相繼釋出的展覽圖片，或能為藝術展帶來不可預計的 “打卡” 探訪，或帶動GUCCI 新款單品的熱門走俏。那無獨有偶的操作，無疑替品牌鋪墊了更長遠的利益，即高雅與商業的兼得。

　　不僅是那些價值位居前列的財團，還包括 LOEWE 、Cartier 、CHANEL 、Zegna 等品牌，都紛紛調轉自己時尚標簽的身份，在類似項目上頻頻加大資金的投入。藝術到底對時裝擁有怎樣的助推力呢?其原因絕不只是掌舵人本身對藝術品的篤愛，還背藏著品牌堆砌影響力的用意。

　　現下，如何將藝術和時裝結合到一塊，正慢慢延伸為近年奢侈品公司致力探尋的要事。無論如何，它對品牌形象的提升百利而無一害。甚者，那些與藝術家推出的聯名品牌，刺激粉絲引發哄搶，產品斷貨之余，成了品牌擁躉突出 “個性” 、彰顯 “品味” 、區別 “身份” 的新符號。

　　也許 Miuccia Prada 說的確實沒錯，奢侈的門檻越來越低，商品和藝術品面臨著趨之若就的大眾化，怎樣讓品牌價值穩固上升，才是品牌該當搶先的諾曼底吧。