時尚值得展出么？

時裝展成為全球現象

　　最近，英國名媛達芙妮·吉尼斯(Daphne Guinness)和珠寶設計師肖恩·林尼(Shaun Leane)合作，在倫敦舉辦了一個極端追求時尚的活動——吉尼斯把自己作為展覽品展出，表現當今時尚與藝術之間的紐帶關系。

　　在吉尼斯女士展示的同時，一個名為《大師風范》的私人攝影展也在倫敦的薩姆賽特宮展出——展覽用意大利時尚產業標志性的廣告活動照片展示從著名設計師品牌阿瑪尼、菲拉格慕到普拉達的精彩創意，來紀念意大利統一150周年。

　　與此同時，在巴黎的裝飾藝術博物館也有概念設計師候塞因·卡拉揚（Hussein Chalayan）的展覽開幕，展覽一直持續到今年的11月21日……

　　在概念設計師Hussein Chalayan的展上，有一件與施華洛世奇合作的服裝，具有激光功能

　　而在去年巴黎的小皇宮，一場展覽又將圣洛朗推到了舞臺中央——但是這次是在他去世以后。

　　所以說，設計師和品牌的延續性，為這些具有里程碑意義的活動能連續不斷的上演提供了機會。

　　在加拿大蒙特利爾美術博物館舉辦的設計師讓·保羅·戈爾捷（Jean Paul Gaultier）的服裝展《從時裝T臺到人行道》，代表著這位標新立異的設計師35年的時尚生涯。館長邦迪爾堅定不移地獨立策劃和資助時裝展，并預定將巡游世界進行展出——從達拉斯、舊金山穿越到馬德里和鹿特丹。

　　在倫敦薩姆賽特宮舉辦的《大師風范》展

　　時裝也是文化遺產

　　時裝展巡回展出的現象，有著極大的全球影響力，是博物館世界里另一個拓展的方向。

　　但是，時尚真值得展出嗎？而且，更重要的是，有沒有明確的標準，對各種各樣的時裝展進行評斷？

　　最近，人們涌入莫斯科的普希金博物館，為的是看一場《靈感Dior》的展覽。該展覽由迪奧公司策劃，將時尚與現代藝術主流作品做比較。在上海，有異曲同工之妙的《文化Chanel》展，把展品與現代主義展覽相融合，在今年10月，活動就將移師北京。

　　像這樣自籌資金的展覽當然不是純粹的宣傳，因為它們有藝術的基礎。但它也強調一個品牌的歷史，用世界上最大的奢侈品市場產品來教育民眾。

　　博物館展覽的發展只是這千年內時尚本身發生變化的縮影。隨著技術發展、即時圖像和全球參與度的影響，對每個人來說，時尚已從小眾喜愛的群體發展到“萬人迷”——甚至成為了一種娛樂。正如巴黎裝飾藝術博物館館長賽爾門說的，之所以有那么多展覽，是因為時尚始終吸引了大批觀眾。

　　另一方面，博物館也從某些方面改變了設計師對待他們自己歷史檔案的認知和方式。

　　在西班牙的一家新博物館，里面所有的歷史性禮服都有自己的主人，這是博物館負責人花了十年時間說服許多女士捐贈服裝的結果。

　　與此稍有不同，最近一名叫做寶萊斯的時裝編輯在舊金山的德揚博物館舉辦了有關Balenciaga品牌的展覽——本來寶萊斯可以聯系品牌現任設計師尼古拉·蓋斯奇埃爾(Nicolas Ghesquire)，并使用其掌握的歷史檔案，但出于主辦權的考慮，最終作為博物館的客座館長寶萊斯，還是使用了博物館內部的檔案以及別處借的服裝。

　　大概在30年前，整理檔案服裝還不是件普遍的事。像之前提到的，在1983年紐約大都會藝術博物館進行的設計師伊夫·圣洛朗的展覽，當時這一品牌只能提供出一件棕色蕾絲裙，于是館長瑞蘭德女士只好自己作為圣洛朗服裝的捐獻者，請求幾位美國婦女來捐禮服。直到之后伊夫·圣洛朗的合作伙伴皮埃爾·貝爾熱（Pierre Berg）建立了一個品牌檔案室，這才標志著對時尚的接受度已不僅僅是一種裝飾藝術，而是文化遺產的一部分。

　　現在，所有的品牌都在不斷從過去汲取經驗，至少因為那些歷史是靈感的來源。菲拉格慕品牌在意大利的佛羅倫薩擁有了博物館，而Gucci品牌在今年9月也將在此開一個專用的博物館，其現任設計師弗里達·賈尼尼（Frida Giannini）說這個博物館“融合時尚與藝術”，將會落座在一個15世紀的建筑里——那里以前是她的辦公室。

　　值得注意的是，意大利時裝大師喬治·阿瑪尼于2000年在紐約古根海姆博物館的展覽引起了爭議，因為設計師本人就是服裝的捐獻者。而巴黎的裝飾藝術博物館館長則將這個展覽看做是“改變現狀”的一個例子。

　　各方面的努力都用于重振過去，并提供“沖擊視覺的熱情”，由此提出一個簡單的問題：時尚展覽要展出什么？其中隱含的問題是：誰將成為星火相傳的人，尤其對于還活著的設計師來說？一個獨立的博物館館長應采取客觀的參與，還是與設計師協同工作？公司舉辦一場展覽是否能被認為是客觀的？

　　英國的V&A博物館資深時尚策展人克萊爾·威爾考克斯講述了她一生舉辦展覽的經驗，并說她讓自己采取傳統的方法進行“多年的研究”。因為博物館重視藝術品和手工藝品，策展人同樣需要參與紡織品的保護和在這一領域里的創新。她還注重目錄和網上獲取的圖片，這是因為她在與“世界上最美妙的收藏”打交道，她開始“理解設計詞匯中的含義”。

　　而時裝展在贊助這方面是微妙的。因為博物館缺少資金，幾乎大多數時尚展覽都會引入一些外部投資。但博物館對贊助商是感到沮喪的——即使博物館創作團隊做著研究，但這些有錢的品牌也不會嘗試資助博物館。更加懊惱的是，像LVMH集團和PPR這樣的奢侈品集團寧可投資當代藝術項目，也不會做時尚博物館。

　　在蒙特利爾藝術博物館，館長邦迪爾女士堅持“博物館不是一個陳列柜”。她說：“獨立有時是昂貴的，但自由是無價的。我討厭‘大片’這個詞。如果把我們與電影比較，我們屬于獨立的環節——而不是好萊塢的一部分。回想第一次在舊金山舉辦的伊夫·圣洛朗展覽，我堅持要有獨立的策展人和專家。”

　　然而，博物館如何在時裝展上給出深刻、批判性的客觀評價？這些評價可能會在給予贊助的品牌策劃的一場展覽中出現——例如，“幾年里最有創意的著名設計師”等等。

　　一些博物館對于時裝展覽應有的主題有著清晰的理解。舊金山美術博物館總監約翰·邦辰說，首要考慮的是一個展覽對于長期收藏紡織、服裝、時裝系列的博物館來說，是否可以“找到它的長處，發掘它的起源”，他列舉了46件原始陳列品讓Balenciaga的展覽增添了光彩。

　　他接著說：“第二是時裝設計師是藝術家這個事實。對于一個專題展覽，我們會尋找‘天才的因素’。我們希望設計者是充滿創意的——他們創造獨具特色的理念、廓形、技術或風格，與以前完全不同，他們要具有廣泛深遠的作品可以連續激勵和影響幾代設計師。”

　　Alexander McQueen《野性之美》

　　英國天才設計師亞歷山大·麥克奎恩（Alexander McQueen）于2010年2月11日在倫敦自殺身亡，享年40歲。為紀念他在近20年職業生涯中的創造力和無可挑剔的裁縫技巧，紐約的大都會藝術博物館舉辦了亞歷山大·麥克奎恩：野性之美》展覽。展覽展出從中央圣馬丁藝術設計學院的畢業作品開始，直至亞歷山大逝世的全部經典設計，展出近百件設計作品。

　　在5月4日至8月7日展出期間，展覽共吸引了66.1509萬名觀眾，位列博物館參觀者最多的前10個展覽之內。該展原本展期至7月31日，但主辦方延長了一周，以滿足破紀錄的參觀者的觀展要求。

　　品味《文化CHANEL》

　　2011年初，上海當代藝術館和著名時裝品牌香奈兒共同舉辦《文化Chanel》展覽。展覽不以編年為序，規劃為五大主題，包括：傳奇的源起、抽象的精粹、隱藏的奢華、自由的追求和幻境的靈感。

　　展覽從全球各地精選400件珍稀展品，配合創新流暢的規劃和奇思妙想的視覺盛宴，以饗參觀者。其中，100件是從國家級博物館或私人收藏借展。預計今年十月，展覽將移師北京。